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Luis de Pablo: Decían que me darían el León de Oro y no lo creí.

 

 “El León de Oro para el logro de toda la vida es un reconocimiento a la obra maestra del más grande compositor español vivo: Luis de Pablo. Un artista consumado que ha catalizado las experiencias más significativas de los lenguajes contemporáneos en un lenguaje extremadamente personal, profundo y expresivo que recurre a los géneros “mixtos” como una de sus áreas preferidas de investigación.

Su artesanía fértil a menudo ha fusionado las experiencias de la música contemporánea occidental con las preocupaciones de la música extraeuropea por la cual el Maestro siempre ha tenido una predilección particular. Un gran maestro y divulgador, Luis de Pablo también debe ser acreditado por haber traído a España, en un momento de agitación política, una poderosa idea de libertad de expresión no limitada al campo del arte ”.

(Ivan Fedele, director artístico del departamento de música de La Biennale di Venezia)

Un campeón de la música española de vanguardia y que goza de un prestigio internacional indiscutible, Luis de Pablo ha vivido muchas temporadas complejas en la historia civil y musical de su país y de Europa occidental, proponiendo una interpretación original del material sonoro, una elaboración peculiar caracterizada por gran libertad y una voz individual fácilmente reconocible. Nació en Bilbao en 1930 y estudió música desde muy joven. Se graduó en Derecho en la Universidad Complutense de Madrid, y comenzó a trabajar como abogado, mientras su interés por la música contemporánea crecía, lo que lo llevó a completar sus estudios musicales y a sus primeras experiencias autodidactas en composición. Después de abandonar definitivamente la ley, en 1958 cofundó con Ramón Barcé el grupo Nueva Música, en el que también participó Cristóbal Halffter, y se dedicó activamente a la difusión de la música de hoy, en particular dedicándose a la difusión de la música. obras y pensamiento de la segunda escuela vienesa. Fundó la serie de conciertos «Tiempo y Música» (1963), la primera Bienal de música nueva en Madrid (1964), el grupo «Alea» y el primer estudio electroacústico en España (1965): un paso crucial para ayudar a su país. para superar el aislamiento cultural en el que el franquismo lo había forzado. A principios de los años 60 estaba en Darmstadt, donde sus obras fueron estrenadas por Maderna y Boulez, y en París, donde estudió con Max Deutsch, un alumno de Schoenberg, moviéndose entre el serialismo y la música aleatoria. Habiendo ganado reconocimiento a escala internacional en ambos lados del Atlántico, en 1972 organizó los «Encuentros de Pamplona», un festival interdisciplinario que lo llevó a ser atacado, por sus razones políticas opuestas, por partidarios de Franco como ETA. Por lo tanto, buscó el exilio en los Estados Unidos, donde enseñó en la Universidad de Buffalo y en Canadá (profesor en Ottawa y en Montreal), y finalmente regresó a España después de la muerte de Franco. En los años 80, que se abrió con numerosos reconocimientos internacionales por su 50 cumpleaños, combinó varios papeles institucionales prestigiosos que le confirió el gobierno español y los teatros y festivales franceses con una producción sustancial de composiciones, incluida la ópera y el apoyo de numerosas comisiones y actuaciones.

La música de Luis de Pablo se caracteriza por una receptividad extrema, abierta a todas las formas de arte, europeas o de otro tipo: una perspectiva estética que marca al compositor como una especie de “circunnavegador de culturas” (José García del Busto), al mismo tiempo. de cualquier forma de eclecticismo, Luis de Pablo siempre ha evitado usar instrumentos o escalas de otras culturas, prefiriendo imitar su gestualidad, gracias a su capacidad para integrar diversas influencias (no solo musicales, sino culturales en el sentido más amplio, fruto de lecturas extensas) dentro de un lenguaje individual inconfundible, fuertemente connotado en términos de instrumentación, armonía y estructuras intermedias.

Ordenado por género, sus obras para instrumentos solistas incluyen las cuatro series de Retratos y Transcripciones para piano (respectivamente 1992, 1996, 2001 y 2001-4), Il violino spagnolo (1988) para violín, Ofrenda (1980) para violonchelo, Monologo ( 1990/92) para viola, Solo-Kunst (2000), tres fugas del Arte de la fuga de Bach para clarinete, Soliloquio (1997/98) para flautista, Per flauto (2010), escrito para Roberto Fabbriciani, Per violino (2010) y Encore (2016), escrito para Francesco D’Orazio, Per fagotto (2011), escrito para Paolo Carlini, Turris eburnea (2013) para guitarra y Tre riflessi (2017) para órgano.

La música de cámara de De Pablo incluye Dibujos (1979) para flauta, clarinete, violín y violonchelo, cuatro cuartetos de cuerda – Fragmento (1985/86), Caligrafia serena (1993), Flessuoso (1995/96) y Memoria (2012/13) -, el Quinteto (1998) para clarinete y cuarteto de cuerda, Metaforas (1989/90) para piano y cuarteto de cuerda, y Segundo Trío (2005) para violín, violonchelo y piano, escrito para el Trío Arbós.

Dentro del rico repertorio para conjunto con o sin solistas, destacan el Libro de imágenes (1990/91) para nueve jugadores, Paraiso y tres danzas maca

Más información de sus obras;

https://en.schott-music.com/shop/autoren/luis-de-pablo-2

 

 

ORQUESTA SINFONICA DE EUSKADI

QUINCENA MUSICAL DE SAN SEBASTIAN

ORQUESTA SINFONICA DE EUSKADI

 

El próximo día 24 de Agosto de 2019, en el Auditorio Kursaal de San Sebastián la Orquesta Sinfónica de Euskadi interpretará la obra Herzog Blaubarts Burg de Bela Bartok, editada por Universial Edition A.G.

 

La tenebrosa ópera de Bartok que hurga en lo

más oscuro del ser humano, es a su vez una

de las óperas más brillantes del siglo XX.

 

https://www.quincenamusical.eus/programa/evento/e/euskadiko-orkestra-sinfonikoa-andra-mari-abesbatza

 

 

CONCIERTO HOMENAJE A JOAQUÍN RODRIGO

 

CONCIERTO HOMENAJE A JOAQUÍN RODRIGO

 

El 6 de julio de 2019 se habrán cumplido 20 años del fallecimiento de Joaquín Rodrigo (1901-1999), compositor que tanto aportó al repertorio de guitarra. Coincidiendo con esa fecha, el Festival dedicará un concierto en el que, además del famoso “Concierto de Aranjuez” se interpretarán obras de dos compositores-guitarristas de nuestro tiempo: Cañizares, guitarrista flamenco, que presenta casi en primicia -tras su reciente estreno en Barcelona- su obra “Concierto Mediterráneo para Guitarra y Orquesta a la memoria de Joaquín Rodrigo”, y José María Gallardo del Rey, que ofrece su particular homenaje al concierto de Aranjuez a través de la composición  titulada “Diamantes para Aranjuez”.

 

Con motivo de este homenaje se interpretarán tres fabulosas obras de nuestro repertorio en un marco incomparable.

 

Fantasía para un gentilhombre……………………… ……………………..J. RODRIGO

Diamantes para Aranjuez……………………………………….J.M.GALLARDO DEL REY

Concierto de Aranjuez.………………………………………………………….J. RODRIGO

 

https://guitarracordoba.es/eventos/concierto-homenaje-a-joaquin-rodrigo/#

Francisco Coll

Por primera vez este año, la ICMA ha otorgado un premio a un compositor: el Composer award. Para la primera edición de esta nueva categoría, el premio fue otorgado al compositor español Francisco Coll (nacido en 1985, en Faber Music desde 2011). Francisco Coll es el único alumno de Thomas Adès hasta la fecha.

Los International Music Classical Awards (ICMA) fueron creados en 2010 por el jurado de los antiguos MIDEM Classical Awards. El jurado está compuesto por críticos de música de 15 países diferentes, que representan 18 revistas impresas o en línea y estaciones de radio. Andante (Turkey), Crescendo (Belgium), Das Orchester (Germany), Gramofon (Hungary), HRT Croatian Radiotelevision (Croatia), IMZ (Austria), MDR-Kultur (Germany), Musica (Italy), Musical Life (Russia), Musik & Theater (Switzerland), Opera (UK), Orpheus Radio (Russia), Pizzicato (Luxembourg), Polish Radio Chopin (Poland), Radio 100,7 (Luxembourg), ResMusica (France), Rondo Classic (Finland), Scherzo (Spain).

Aquí está la lista completa de los laureados ICMA 2019: www.icma-info.com/winners-2019

Las obras de Francisco Coll de venta: http://www.fmdealers.com/SearchResults.aspx?search=Francisco+Coll&s=rel

Folleto de presentación completa: https://issuu.com/fm_fortissimo/docs/francisco_coll_brochure_e5fce66d3b7bc9

Su propia página web: www.franciscocoll.com

Rebecca Saunders

Edition Peters se complace en anunciar que el Ernst von Siemens Music Prize 2019, considerado como el premio Nobel de música, ha sido otorgado a Rebecca Saunders (nacida en 1967, con Edition Peters desde 1997). Este premio se otorga cada año a un compositor, intérprete o director de orquesta que ha hecho una contribución notable al mundo de la música, con un premio de 250 000 €. Saunders se une a una lista ilustre de laureados como Benjamin Britten, Olivier Messiaen, Herbert von Karajan, Pierre Boulez, Andrés Segovia, Yehudi Menuhin, Luciano Berio, György Ligeti, Henri Dutilleux.

Rebecca Saunders en la página web de Edition Peters: https://www.editionpeters.com/newsdetails.php?articleID=IN01233

El catálogo de sus obras en Edition Peters: https://www.editionpeters.com/resources/0001/writers/pdf/Saunders_worklist_17_Jan_2019.pdf

Su propia página web: www.rebeccasaunders.net

La página web del Ernst von Siemens Music Prize: www.evs-musikstiftung.ch/en

Para descubrir su música en SoundCloud: https://soundcloud.com/rebeccasaunders

Das Rheingold

Das Rheingold, se marca el inicio de El anillo del nibelungo, la colosal tetralogía de Richard Wagner y la segunda que el Teatro Real lleva a su escenario desde su reinauguración en 1997. Pablo Heras-Casado, principal director invitado del Real, dirige un reparto con renombrados cantantes wagnerianos como Greer Grimsley, Sarah Connolly y Samuel Youn en una desoladora producción de Robert Carsen. El director de escena canadiense sitúa el prólogo del Anillo en la crudeza de nuestro contaminado mundo actual, donde se despliegan los personajes del conflicto cósmico retratado en la tetralogía, que veremos completa a lo largo Escrita bajo los estrictos preceptos del Oper und Drama que el mismo Richard Wagner estableció, Das Rheingold –la primera de las cuatro óperas que componen la tetralogía de El anillo del nibelungo– se antoja mucho más un drama actual que una fábula remota. El compositor ya supo intuir la incompatibilidad entre las leyes de la naturaleza y las de los seres humanos, y anticipó las consecuencias que ello acarrearía.

La producción que ahora presenta el Teatro Real nos sitúa ante un mundo en estado de sitio, irreversiblemente contaminado, devastado por la avaricia de poder del hombre que, tratando de controlar su entorno, ha acabado abocado a su propia destrucción. Es un mundo de gentes cegadas y grises cuya existencia parece carecer de dirección o significado alguno. El Rin, además de albergar el oro que se robará para fabricar el anillo mágico (y maldito), pasa a ser una cloaca donde acaban los desechos de una civilización fallida. Das Rheingold constituye la perfecta antesala para conocer las dinámicas y conflictos que rodean a los personajes de la tetralogía.

https://www.teatro-real.com/es/temporada-18-19/opera/das-rheingold?utm_source=MPC&utm_medium=cpc&utm_campaign=SEM_ES_EL_ORO_DEL_RIN_NOV30-ENE31&gclid=EAIaIQobChMIs47a4Y-G3wIVQrDtCh11zAeSEAAYASAAEgKJ8fD_BwE

Ernst Krenek

EL DICTADOR de Ernst Krenek (1900-1991) (estreno en España)

EL EMPERADOR DE LA ATLÁNTIDA de Viktor Ullmann (1898-1944)

El Teatro de la Maestranza estrena en España El dictador de Krenek con una producción propia dirigida escénicamente por Rafael Rodríguez Villalobos (Sevilla, 1987), que ha estudiado música y arte dramático. En 2013 fue el Premio Europeo de Dirección Operística más joven hasta la fecha. Pedro Halffter Caro dirige a la ROSS y a Martin Gantner, Nicola Beller Carbone, Natalia Labourdette y Vicente Ombuena en el reparto.

Por su parte, El emperador de la Atlántida constituye un retrato grotesco de la figura de un tirano bajo el que se esconde la caricatura de Hitler. En la obra, el tirano fuerza a la humanidad a consentir una feroz masacre, mientras la Muerte impide que los heridos fallezcan, lo que la crítica valoró como “la abdicación de la muerte frente a los horrores universales de la vida”.

La obra fue compuesta por Ullmann -discípulo de Schönberg y asistente de Zemlinsky en Praga, en el campo de concentración de Terezin en 1943 antes de partir hacia Auschwitz, donde murió, como el libretista, Peter Kien. Ambos insuflaron la obra de una escalofriante corriente satírica y negra. Otro preso, H.G. Adler, rescató la pieza, que se estrenó en Ámsterdam en 1975.

Ahora, y en una coproducción del Teatro de la Maestranza, el Teatro Real de Madrid y el Palau de les Arts de Valencia, el director de orquesta y compositor Pedro Halffter Caro presentada una nueva versión para gran orquesta –inicialmente era una pieza de cámara- elaborada por él, quien además ha compuesto dos piezas –basadas en obras de Ullmann- para el tríptico que conforma el prólogo de la ópera. Para Halffter, “El emperador…” es una ópera “genial y bellísima” que representa el ejercicio de la libertad del arte desplegado “en el momento y lugar más extremos”. Para el director de escena Gustavo Tambascio, fallecido en febrero de 2018, El emperador de la Atlántida es una sátira macabra, como un “cabaret tétrico” que denuncia “la industrialización de la muerte”. Junto a la ROSS, repiten en el reparto Martin Gantner, Nicola Beller Carbone, Natalia Labourdette, y Vicente Ombuena.

https://www.teatrodelamaestranza.es/programacion/543_EL_DICTADOR_de_Ernst_Krenek_EL_EMPERADOR_DE_LA_ATL_NTIDA_de_Viktor_Ullmann.html

Carmina Burana

 

El original Carmina Burana es una colección de poemas de los siglos XII y XIII. Conservado en un único códice encontrado en 1803 por Johann Christoph von Aretin en la abadía de Benediktbeuern en Baviera. Actualmente se conservan en la Biblioteca Estatal de Baviera en Múnich.

El códice recoge un total de 300 poemas, escritos en su mayoría en latín, alemán y francés. En estos poemas se ensalza el placer por vivir y el interés por los placeres terrenales, por el amor carnal y por el goce de la naturaleza. Por lo tanto, con una mirada crítica y satírica hacia los estamentos sociales y eclesiásticos de la época.

Carl Orff compuso su Carmina Burana entre 1935 y 1936, y se basó en 24 poemas del códice original. El título original de la obra Carmina Burana: Cantiones profanæ cantoribus et choris cantandæ comitantibus instrumentis atque imaginibus magicis (Canciones de Beuern: canciones seculares para cantantes y coros para ser cantadas con instrumentos e imágenes mágicas) es el punto de partida del espectáculo que La Fura dels Baus ha creado.

Tras 30 años de trayectoria, Carlus Padrissa, miembro fundador de La Fura dels Baus, ha concebido un CARMINA BURANA trepidante donde el espectador, a través de impactantes escenas, efectos especiales e incluso fragancias primaverales, se sumerge de lleno en el universo de La Fura dels Baus.

Sobre el escenario, un gran cilindro de diez metros de diámetro envuelve literalmente la Orquesta, mientras unas imágenes proyectadas sobre él, ilustran toda la obra de principio a fin. Una Luna gigante, el deshielo, cascadas de agua, un éxtasis floral, una vendimia en directo, vino, agua y fuego…. El CARMINA BURANA de LA FURA DELS BAUS es un espectáculo sensorial, musical y teatral, vital y enérgico, que ya ha sido visto por más de 200.000 espectadores en Europa, Asia y América.

http://www.carmina-burana.es/gira